※因疫情影響，原定2021年6月6日《光的距離•未知之地─廖進祥個展》開幕茶會取消，造成不便，敬請見諒。

約翰•伯格在「觀看的方式」一書中寫道：觀看先於言語。孩童先會觀看和辨識，接著才會說話。
不過觀看先於言語還有另一種意涵。藉由觀看，我們確立自已置身於周遭世界當中；我們用言語解釋這個世界，但言語永遠無法還原這個事實：世界包圍我們。我們看到的世界與我們知道的世界，兩者間的關係從未確定。

在這不確定中，繪畫因此而誕生。

我創作的核心便在這二元對立：主體/客體、真實/虛構、連續/非連續、光/影等背後找尋兩者距離間的差異（未知）。
而主體/客體、真實/虛構、連續/非連續、光/影等二元對立是一體，而非是存在於對立面。兩者相互增減、相互映襯。
兩者間的不確定，是時間所造成的距離。

對於風景（未知之地）觀看之後：是記憶的殘影、圖象的殘影、也是繪畫的殘影。是繪畫本身。

隨著時間的推移，不斷把自已隔絕到一定距離。出於對未知的好奇。在進行的畫面上，以自動性技法所產生的偶然，不斷的探索、實驗、試行錯誤。以便能創造出這兩者之間的反差可能。度量我的思考與我的創作之間的距離。然而這距離便是思維創新的可能性也是觀看本身的反思。

光的距離，所談的不是物理上的光或是自西洋繪畫以來所探討的光。而是指畫面與觀者的眼睛以及心所發生的光的距離。是觀（畫）者對畫作的內在詮釋。

用珠光粉色系就是要做出觀者與畫作之間的距離。因觀看畫作時的距離、角度的移動，而在畫面產生偏光效果。因偏光而產生觀者與畫作的距離校正，繼而意識到距離。
這個意識的觸及可能切換先入觀，捨棄對“物”（物體型態）先入為主的觀念呈現出“真空”的狀態。而開啟內心的對話、詮釋與感受。

從眼到心是光的距離。

創作自述

光的距離．未知之地一廖進祥個展 

約翰•伯格在「觀看的方式」一書中寫道：觀看先於言語。孩童先會觀看和辨識，接著才會說話。

不過觀看先於言語還有另一種意涵。藉由觀看，我們確立自已置身於周遭世界當中；我們用言語解釋這個世界，但言語永遠無法還原這個事實：世界包圍我們。我們看到的世界與我們知道的世界，兩者間的關係從未確定。

在這不確定中，繪畫因此而誕生。

我創作的核心便在這二元對立：主體/客體、真實/虛構、連續/非連續、光/影等背後找尋兩者距離間的差異（未知）。

而主體/客體、真實/虛構、連續/非連續、光/影等二元對立是一體，而非是存在於對立面。兩者相互增減、相互映襯。

兩者間的不確定，是時間所造成的距離。

對於風景（未知之地）觀看之後：是記憶的殘影、圖象的殘影、也是繪畫的殘影。是繪畫本身。

隨著時間的推移，不斷把自已隔絕到一定距離。出於對未知的好奇。在進行的畫面上，以自動性技法所產生的偶然，不斷的探索、實驗、試行錯誤。以便能創造出這兩者之間的反差可能。度量我的思考與我的創作之間的距離。然而這距離便是思維創新的可能性也是觀看本身的反思。

光的距離，所談的不是物理上的光或是自西洋繪畫以來所探討的光。而是指畫面與觀者的眼睛以及心所發生的光的距離。是觀（畫）者對畫作的內在詮釋。

用珠光粉色系就是要做出觀者與畫作之間的距離。因觀看畫作時的距離、角度的移動，而在畫面產生偏光效果。因偏光而產生觀者與畫作的距離校正，繼而意識到距離。

這個意識的觸及可能切換先入觀，捨棄對“物”（物體型態）先入為主的觀念呈現出“真空”的狀態。而開啟內心的對話、詮釋與感受。

從眼到心是光的距離。

慶祝102當代藝術空間12周年，開幕當天來賓抽獎活動，含收藏折扣券(6折~85折)與禮物紀念品。

座談會：4/18(日) 15:00-17:00

主持人 藝術史學家 蕭瓊瑞 教授

與談人 參展藝術家

(文/蕭瓊瑞 教授)

位在台南城區邊緣、仁德巷弄中的102當代藝術空間，12年前，由一位純粹熱愛藝術的「局外人」蔡玉盆女士成立；在小小的空間中，一個檔次、一個檔次地苦心經營，轉眼也屆12個年頭。

當年的蔡玉盆對於「當代藝術」，真的純粹基於「熱愛」的心情，既無經營的理念，也毫無賺錢的念頭，為的就是好玩；但當她拜訪美術史學者蕭瓊瑞教授時，蕭教授當頭棒喝，質問：「妳好玩，為什麼藝術家就要陪妳玩？」她才頓然領悟：開畫廊不能只是好玩，而是要有一些使命：把好的藝術家介紹給有品味、有眼光的收藏家和大眾；這樣的使命感，使她在純粹「熱愛」之外，多了更多的負擔。

12年的時間，證明蔡玉盆的努力，受到了藝術家的信任，也獲得了收藏家的支持，更吸引了大批未來的藝術家（學生）和潛在的收藏家（民眾）的衷心喜愛，她更為此舉辦了多場的研習課程與講座，培養了一批「熱愛」藝術的朋友。

12周年慶，102當代藝術空間邀請蕭瓊瑞教授擔任策展人，以歡喜過新年的心情，邀請12位曾經在102展出過的藝術家，回家團聚。名單排列出來，證明蔡玉盆經營、邀請的藝術家，都是當前藝壇的一時之選，包括：洪根深、賴美華、蘇志徹、鄭建昌、黃郁生、莊連東、謝其昌、蔡獻友、戴明德、伊誕．巴瓦瓦隆、蘇小夢、范思琪等，他們的作品都有一種精神上冥思、超越的傾向，極適合這樣的秘境空間。。

這是一場藝術家和收藏家與藝壇同好的新春團聚，也歡慶102當代藝術空間的12周年展；3月27日下午開幕茶會，4月18日則由參與的藝術家們座談。歡迎有興趣的朋友們踴躍出席參與。

在創作的過程中，由技術的學習到個人風格的形成，對於作品的自省與改變，每每令我感到驚奇與感動。一直認為將東方文化融入現代金工創作中是令傳統金屬工藝有新的生命產生的必要條件，改造傳統並透過不斷的蛻變才能延續傳統，如何維繫根源的存在價值並從中創作出新的風格，所以在近期的作品中一直致力於將自身文化融入現代創作中，並探討金屬工藝文化之歷史背景，以及當代金屬藝術創作的關聯與差異，包括金屬工藝在傳統社會、生活中所存在的歷史意義與使用上的代表涵義。

佇立的島嶼，動人的姿彩，是曾經多少文明風華的積澱。審視每一座島嶼的樣貌，總是盈滿著無比豐富的想像，那是歷經歲月與風霜的淬鍊，也是乘載歷史與文化的匯聚。島嶼上面的景觀，藝術家眼中經過仔細觀察，可以具體描繪出山石林木，而沉在水下的場域，卻能任由藝術家思維無盡的馳騁。兩個世界的共構，譜出現實與幻境的並置、疊合與相融，營造島嶼強大生命力的厚度與深度。

於是，畫島嶼的現在、過去與未來；畫島嶼的真實、虛幻與可能，成為生長在島嶼文化圈的台灣當代水墨畫家莊連東近期鍾情表達的創作主題，從迴視自我生命依存環境，到深究屬於台灣這座島嶼的歷史脈絡；從遊歷世界各地的島嶼形貌，到理解人類文明進化的軌跡；從尋找差異到歸結共相，從外在追求到內心表述，島嶼的虛實意象給予莊連東寬廣的創作自主空間與情感宣洩管道。而透過島嶼形塑的山光水影意象，疊合人文演繹進程的生命影像，似乎傳遞著土地、生命與歷史緊密連結的依存關係。

莊連東的創作面向，分別呈現：一、島嶼與建築的對應關係。此系列作品的思考是不同建築風貌所代表的時代差異問題，從傳統中國庭園宮殿、宗教寺院、民間居所到現代都會大樓，從具體完整刻畫外在建築結構形貌到抽離建築物元素後再重組意象，建築成為文明轉折重要的符碼。二、島嶼與原始記號的並置關係。本系列以遠古圖像符號所表徵的史跡意義作為島嶼生成初始的源流探索，以整體人類進化的價值進行創作觀點的介入，所以不分東方或西方的圖騰，共同成為繪畫語言訴說的代碼。三、島嶼與動物的象徵關係。運用潛伏的動物形貌與山石幻化結合，將動物的兇猛、堅韌與動力作為島嶼生生不息的寓意。四、島嶼與島嶼自身的依存關係。主要從島嶼不同視角觀看形成的空間異相作為省察的根源，探討時空與差異對島嶼文明形塑的反思。四個面向各以不同的美感分為彰顯島嶼的多樣而迷離的風采。

2020年莊連東新作的發表將余秋末微涼的季節在臺南「ART102藝術空間」舉行，敬邀藝術愛好的朋友蒞臨參觀指教。

活動緣起

在一本名為《栗種與火種：台灣原住民族的神話與傳說》書中第61頁提及「牛稠子文化層中的牛稠子期約距今3800至3300年左右。農業遺留有稻米 、小米和豆類等農作物……」，考古學家在新石器文化遺址上也載明發現距今4000至4500年前的台南仁德的「牛稠子」文化。

可見牛稠子在台灣發跡甚早，在縣市合併後顯然已不屬邊陲地帶，附近依著時令耕作的農作物仍然豐收，但聚落與聚落已完全連結，人口稠密度正逐年急速攀升中；雖仍具有幾許的草根性，然而小小的牛稠子區近年來亦成立了幾處各具亮點的藝術聚點：

黃步青80藝術空間、102當代藝術空間、左邊Art·P、微笑虎山藝文咖啡、十鼓文化園區及二手文物交流區。這些點與點之間，自然形成一個非常適合漫步其中的牛稠子藝文聚落，人們親臨此境猶如重拾在國外旅遊時，感受到的閒散悠閒美好經驗。聚落裡的虎山森林與由里長獨自籌資募款、設計並監工完成的牛稠子火車站，偃然成為遊客必訪的新景點。而與聚落緊鄰的奇美博物館僅區區數里之遙。

十餘年來有鑒於藝術的各類活動與藝術相關領域的工作者有增無減，為了拉近藝術與人的距離，讓藝術就在左右；也為了更活絡牛稠子藝文聚落，因此設想與規劃「散步牛稠子—藝術博覽會」的活動。期待具有真善美精神的藝術品，除了具有美學之外也能感動及撫慰許多人的心靈。

「質疑的態度」是作者創作研究的原動力：對生活週遭的質疑、對社會價值觀的質疑、對環境遭受破壞的質疑，以及對人性惡鬥、虛假的質疑；這些質疑直接影響的是作者內在的焦慮與對外在的恐懼心理，在焦慮與恐懼的交相作用下，最終歸結於對自我存在的質疑，創作的內容也一直圍繞在一個懷疑的「自我」——是我、非我，有我、無我，存在的我或不在場的我，顯現的我或隱藏的我。

「象徵」、「隱喻」在作品中的運用，呈現作者「隱匿」與「缺席」的意涵，參照於 Jean-Paul Sartre 的觀點是：「虛無」不等於不存在，它正是意識本身，而意識是極其主動和富有創造性。意識的虛無性，主要是指它總是隱而不顯，並具有將一切存在加以虛無化的無限潛在能力。意識靠其對於他物的虛無化而實現其本身的真正存在。意識的強大生命力，就在於它無時無刻地將異於其自身的存在加以虛無化。換句話說，是作者將環繞於週遭非自我的「物體」、發生於身邊非自我但卻真實存在的「事件」，經虛無化的過程，而流露作者真正存在的本質與自我真實的面貌。

「處境 ▪ 此境」這一主題展，作者試圖將不同時空的景與物併置或錯置。在似真實又虛幻的徘徊中、在表裏不一、外象與內在相互衝突之際，製造一份質疑的態度，遊走於自我的存有與自我的虛無之間。「處境」似有我，「此境」似無我。欲反映的是，人際間不經意存在的或刻意表露的一份「假象」。

此次「家屋與天地」聯展，收錄了溫孟瑜與黃品玲近年的精選作品，前者的創作以細膩的家屋意象，後者的創作是抒情的天地景致。二位藝術風格各異的主題以及呈現方式，正好切和哲學家巴拉舍“空間詩學”篇章“家屋與天地”所言：家屋是我們意識的居所，是我們第一個小宇宙；天地是容納家屋的環境，卻也是精神狀態的投射。

溫孟瑜的作品裡時常出現多個層次的交疊，這些層次是空間、是意識形態也是記憶。室內空間以及向外所視的風景，或許是現在及曾經的心理狀態，或未來的景致及過去的夜幕。而其畫中窗景之必要，是她發展出的抒情方式。

黃品玲的風景是身體、感知與回憶之間的對話。她面對印象中的風景進行素描，並試圖抓取那些記憶猶新卻不可見的感知經驗。她抒情的筆觸或快或慢，牽引出油彩的流動性，堆疊出思緒的線條，層疊的白色流淌在畫布上，塑造了曠野的遼闊感，表述著磅礡的天地萬象；而畫面上巧妙的渲染和留白，彷彿山巒的呼吸、風吹河面的波紋。隨著時間的流逝、意識的更迭，黃品玲透過天地的色彩，和煦而堅定地畫出了思緒的速度。 (內容截自：翁境優、張凱鈞文)

    這是一場父子在創作上的對話，補償平時無言…..關係缺口。

    戴宏霖曾以「九零後的世代焦慮」出版作品集，其影像作品擅於捕捉快速流逝動態的當下，採集光影流轉一瞬間；變態狂野生鮮活辣的片刻，背負厭世代對資訊快速變動產生焦慮氛圍，看似恍惚曖昧女體，隱喻恐懼與性的影射，在幽微詭譎突兀的空間營造海味鮮腥的物件符碼，釋溢出純粹官能的刺激；挑起燥動的敏銳神經。在靜物系列影像裝置作品中，透過留白與混亂對話，將自身的毛髮與複雜情緒緊密連結。

    展出五件影像裝置，是戴宏霖近期作品，漸漸從學院所蘊存的理念重新釐清，且經由攝影專業的從事與年青人對世代焦慮在創作態度的確認與投射，以他們對時尚流行文化ˋ次文化ˋ在地文化的感知嗅覺，從生活中的微物與現象，透過留白與極簡的情境表現輕柔與繁覆的視覺對比，交錯的線性頻率，隱喻著九零後世代創作者焦慮與敏感的心煩動念，議題的設定與內容表現在戲謔反諷的放鬆語彙，反而自在又自由。

    戴明德積累三十餘年的創作歷程，經常自喻為「化作一部製圖機器，以勤奮不懈的創作動能，以感性機體銘刻時代的容顏。」在他的「自畫像系列」中，指涉個人的生命記憶平行著時代，透過自畫像的自我檢視與喃喃自語對話而產生了自主性，一反過去逃避面對自我描繪的窘境與真實，終於為自己而畫，如解凍後回歸本然的自身，從這些與自己深度對話(畫)後的作品，成為自己未來的留言板或備忘錄，因為自己誠實，所以相信這樣作品終究能引起觀者的共鳴。

    在他的繪畫意圖透過圖像演繹的實踐，銜接自我與社會主體，疊合生命記憶與政治的視差成像，以動態主體的實踐回應這塊土地在文化動態的生成境況氛圍。自畫像中以「獨唱」「找回國王的新衣」「數據與畫像」「變身派對」以隱喻自畫像的角色人臉蜘蛛的擬像化，性格與肢體做有趣的改造，成為畫面中不可言喻的視覺刺點與議題。

    戴明德對他當前的「自畫像」系列投入表現已近癡狂，近日在嘉義鐵道藝術村為消失拆解而創作「偽釘子戶」非典個展，做了一場與駐點二十年的空間辭別的儀式，完全以自畫像圖式，辯證情感，空間ˋ自畫像圖像的言說關係，自發性的書寫與手寫塗鴉描繪，連結這次的作品展現，「自畫像」的面貌特質更為深化與彰顯，從材質的細緻層次及圖像語彙的低沉與綿延細調，畫像自述本身的徵象符碼，背後情感暗喻著生命深藏的底蘊厚度。「臉部辨識」以同款畫像視角，以不同造型條碼認證，在線條與造型扭曲變形結構多元呈現下，與箭頭方向線體墨韻相映合，猶如一套自動臉部辨識圖鑑網路。
    
    「同行」作品，接續三十年前以她為主題的孕婦作品相聯結，家是自畫像背後的結構鋼樑，同行背後的情感指涉，有電塔般的電容波度，畫室空間意象及核武威力的影響震度。「帶我上月球」「找回國王的新衣」「數據與畫像」，彌補了許多無法實現的現實，也是無以表現的真實，僅以自畫像系列自我解嘲自我消解，透過圖中亂髮接受微風吹拂。(文/戴明德)

此展覽是「她」：兩個生活背景不同的女人，同樣身為母親有著相同堅毅不服輸的性格，「說」：像是喃喃自語地說給自己聽，「故事」：是人生故事與童話，就讓我們來聽聽她們說……故事吧。

許碧梅她說：「創作不一定需要理念，它也許只是生活中的一部份」。早上賣早餐的女孩俏麗又叛逆，但精準的算帳方式令人多看一眼。中午到了賣麵的店，老闆已是從我認識的潮男，到了肌肉鬆弛的老男人。吃完麵後，到對面的超商買飲料，見到那一年365天全身黑善心流浪漢樣的男子。回到家，又見到我家隔壁那位身穿補釘衣，腳有鐵絲綁的害羞老男人，快速地鑽進他家深處。偶爾我那老朋友來我家告訴我她剛從市場回來，或有時說著它如何抓到拉小提琴的訣竅，言語中充滿喜悅。而我偶爾在安靜的自我空間裡，回想起那一年的那一天在埃及所見到，那位如此俊俏的酷男，雖然我無從得知他的故事。

靜智她……的故事，她20歲走進另一個家庭，她34歲重拾畫筆，她39歲進入學院在藝術中如魚得水享受各類媒材的創作，她43歲走入玻璃色彩繽紛的世界，此次展出作品分為兩個系列，琉璃詩篇系列以窯燒玻璃創作的實驗性出發，使用能包容萬物的圓為造形，嘗試在玻璃中加入各種接駁的可能；小紅帽之動物戲系列以個人出發每個女人心中都住了個小女孩，小女孩與動物間有愛護/守護/趣味/詼諧/反諷，透過玻璃晶亮濃烈的色彩，表現出小女孩的天真純潔與浪漫，而玻璃材質經窯爐燒製過程中的不確定性，也代表小女孩與動物間的相對危險緊張的關係。

 「自然」．跨接萬里的版畫藝術匯流                                    

                                    中華民國版畫學會常務理事

                                    臺灣友點子創作工作室總監

                                    臺灣北岸藝術學會秘書長    陳昱儒                                   

    臺灣地處東亞-太平洋交通樞紐，自古即飽受各種文明的洗禮與薰陶。自十七世紀起，來自大陸、荷蘭、西班牙、日本的各國先移民，陸續帶來其本土的文化養分：從地名到建築、自宗教至藝術，均使這個島嶼充滿了多面向的文化性格。

    今日的臺灣已發展成為高度自由化的繁榮社會，加以受到前述的結構性歷史影響，當代藝術的創作不論題材、媒材與技法均呈現出百無禁忌、兼容並蓄的多元風貌。

    當代臺灣版畫創作，已擺脫被主流藝術媒材邊緣化的困境，不但擁有鮮明的領域發聲權，同時在蓬勃的自由創作思潮中，發展出極多的技法與媒材應用。除了凹、凸、平、孔相關印製原理的版種外，近年單刷，數位版、併用版，乃至打破傳統材料界限的複合媒材應用、延伸至立體的概念版印，都由藝術家不斷地進行大膽試驗與辯證。內容取材上，不論對於政治的批判、社會議題的省思、自然環境的關懷及文史哲學的反芻思維都獲得寬廣的發展空間。因此使版畫創作在臺灣，成為一種滿溢自由創意的文化藝術表徵。

    遠在地球彼端的西班牙，自來是歐洲藝術文化傳統重鎮，由古典時期至當代，在在影響了今日西方藝術風貌的形塑。同樣具備多種族群文化面相交融的奔放熱情性格，帶給遠東的影響除了歷史的遐想之外，也有無窮的藝術與浪漫魅力。

    本次承旅居西班牙周明毅博士之邀，非常榮幸地再次橋接起臺灣與西班牙的文化聯結，引介數十位臺灣與西班牙當代版畫藝術家進行一場在兩地接力舉辦的交流聯展。藝術家們各自以精湛獨特的版畫風格，進行藝術會盟，同時向兩地廣大愛好藝術的朋友們介紹兩國的版畫藝術，期望增進彼此對兩地文化藝術的理解與欣賞。

    本次主題展以「自然」為名，雙方藝術家以共同的版畫熱情，表現個人對大自然的造化印象或是演繹視距外的自然心象，藉此展開跨洋精彩豐富的藝術對話。遙隔萬里的東西藝術潮流，在這場藝術聯展中自然而澎湃地匯流合一。

    通過本次在臺南102ART當代藝術空間舉辦的交流展，竭誠為大家引導認識當代版畫藝術的特徵與文化底蘊，也衷心期盼未來有更多機會能促進兩地的藝術交流，並為國際間推廣當代版畫藝術活動紮根。

　　——自畫、自刻、自刷：浮現在漆黑的小宇宙中讓人不知不覺中愛上的事物。

生田老師是多摩美術大學的畢業生，原本是專攻日本畫，美柔汀銅版畫大部分是自學成才的。對於每幅圖像，藝術家必須首先使用帶有許多尖點的搖桿工具在銅板上製作小坑。搖點整個表面後，如果要對印版進行上墨和印刷，則結果將變成天鵝絨般的黑色。傳統上，藝術家之後會返過來打磨並刮擦這些凹坑，以使它們容納更少或沒有墨水。最終是在深色背景上顯示出淺色圖像。

稱作是黑的技法、17世紀誕生於歐洲銅版畫美柔汀（Mezzotint）是一種作成纖細地幽深的天鵝絨毛般的黑色。美柔汀（Mezzotint）是一種黑色的曼努埃爾（法語。“黑的技法”）銅版印刷技術。首先，使用搖桿工具在銅板上刻有無數的細槽，以製成黑色底座。然後，銼平和拋光凹槽，產生半色調。為了進行印刷，將板在壓力機中壓制及搖點，這是需要經驗豐富之專業技術的技法的過程。 最顯著特徵之一是產生的深深沉思的黑色氛圍。

生田宏司老師的代表性主題FUKUROU（貓頭鷹），把貓頭鷹的羽毛以及貓咪的毛髮、植物等等所擁有的柔和質感及神秘的生命感，以稱作是黑的技法的銅版畫美柔汀，用驅使卓越的技術，精緻地表現出幻想的世界。在許多國際展上獲獎，國際的評價上也相當高，美國、西班牙、烏克蘭、法國等地舉行個展。特別是法國，從2000年開始每年各地有舉辦個展。

在日本國內，晉升為每年於全國各地約20個地方舉行個展的人氣作家之一。台灣方面，於1989年所舉行的第四屆中華民國國際版畫（雙年展），獲得行政院文建會主任委員獎、之後兩度參加於台灣所舉行的國際作家聯展；此次為在台灣第六次的展出。

拄天．拄地．顧台灣 —「拄天拄地」鄭建昌創作展 

文／蕭瓊瑞

「土地」是鄭建昌創作的主軸，「土地」不只是生命寄居的「鄉土」，「土地」也是河洛話中代表守護之神的「土地公、土地婆」。鄭建昌對土地的關懷，既有生態環保的用心，也有歷史人文的反省，又具社會、政治的批判，但總是出自一種簡明、溫和、內斂的手法，其畫如人，意志堅決、長期堅持，但絕不誇大言行、聲嘶力竭。

在鄭建昌的作品中，「人」和「土地」和「神明」乃至「歷史」，都是一體的，那是一種生息與共、循環不已的宇宙倫常。因此，有時人的臉就印記在島嶼的土地之上，有時神明就蹲坐如一座大山；生民遷徙、耕耘在大塊之間，固然時而如游蜉，朝生暮死而令人生憐，但生命猶如不死的生命樹，老幹枯萎、新枝再生，死而化作春泥，生而萌放如花，生死之間，循環輪轉，歷史巨輪因而不斷前行。在鄭建昌的創作中，我們得見一個對土地有情、對生民有愛、對歷史有諒、對未來有望的美麗新世界。

鄭建昌的土地，有其元神，元神護土佑民，萬事得以圓滿通神。鄭建昌對鄉土的關懷、對生命的思索，從早期置身都會而反思文明，終至回歸土地、通達歷史。他遍讀台灣先民開發的史書、小說，瞭解先民披荊斬棘、以啟山林的辛勞，也知強權壓境、生民塗炭的苦楚，進而生發諒解、疼惜的心境，化作溫馨、幽默、哀而不怨、抗而不爭、嘲而不譏的獨特風格，給人一種溫暖、深思、靜謐、致遠的心靈澄境。

鄭建昌的作品融入民間諸多傳說、隱喻，也富萬物有靈、生死輪迴的神秘傾向；但骨子裡，鄭建昌是一位虔誠的基督徒，基督的信仰，高舉土地的公義、強調住民的自決，往往讓人誤為政治上的偏執。事實上是一種生命「信、望、愛」的高度表現，在相當的意義上，鄭建昌的創作正是這種關懷本質最具體的展現。