當代台灣膠彩畫的開創與書寫－詹前裕、李貞慧、高永隆三人展

策展人：高永隆

膠彩畫從日本傳入後在台灣發展，約可分為幾個時期：發靱期（1895～1923）、台府展時期（1924～1945）、省展時期（1946～1972）、正名時期（1972～1985），學院時期（1985～ ）。膠彩畫在台府展時期是最輝煌的黄金年代，省展時期歷經「正統中國畫」的論爭之後沒落下來，一直到解嚴之後興起了正名運動，進入台灣民主化時期，終於可以在學院教育中傳授而再興發展。台灣膠彩畫的歷史興衰正反映台灣的文化政治的變遷。

台灣膠彩畫從早期的日本官展風格，追求地方性色彩，到後來大量攝取西畫的表現技法，並融合水墨畫趣味，其風格的發展，歷經不同文化、不同繪畫的影響，呈現一種混雜與融合的風貌，成為最具台灣多元文化特性的畫種。

但自50年代後的幾十年間，膠彩畫長期處在私塾封閉系統中，自我傳承，疆化的表現形式，難以應對外在新的藝術思潮。一直到1990年代台灣膠彩畫才開始有了新的轉變格局，其改變來自學院教育的體制及新畫家的投入膠彩創作，打破封閉保守的膠彩傳承，以現代的思潮開創膠彩的新風格，由於他們的努力，近年來膠彩畫快速蓬勃發展，活動展覧頻繁，在各種的官方展覽中，膠彩畫已成為一完整的獨立部門，並與水墨畫成為代表東方繪畫的畫種。

本展覽邀請了開創台灣膠彩畫再興，最具影響力的三位膠彩畫家展出：

詹前裕（1952～），被尊稱為「戰後台灣膠彩畫教育之父」，是膠彩畫復興最大推手，其作品以絹本為主，在工筆水墨的基礎上，融入膠彩材料技法，開創了一種新的創作模式，其精緻典雅的作品風格已成為現今台灣膠彩畫的一種典範。

李貞慧（1961～）：就讀東海大學時受到林之助啟發，畢業後赴日本筑波大學，是自日據時期中斷五十年之後，第一批再赴日本學習日本畫的留學生，帶回了當代日本畫表現技法，引起台灣膠彩畫的技法革命，其作品在金屬箔、墨色與岩彩的結合之中，表現真實和虛幻轉換及生命的感懷，陰性書寫的特質，一直影響著當代膠彩畫美學走向。

高永隆（1962～）早年以水墨畫成名於畫壇，後轉入膠彩創作，曾長期於西藏、新疆、日本、歐洲等地，研究古代重彩材料製作與表現技法，以入古出新創作理念，豐富肌理與繁複技法的作品，跳脫了一般膠彩樣式，加上寬廣旅歷的視野，作品氣勢磅礡，在台灣膠彩畫家中是相當獨特的一位。

膠彩畫長期受限於媒材及工具上的操作特性，一直難以普遍。但現今台灣膠彩畫的邊界正不斷擴大，並滲透影響到各畫種領域。台灣膠彩畫的再興代表一種文化的覺醒，詹前裕、李貞慧、高永隆三位畫家，在膠彩教育的投入，開創台灣膠彩畫新時代，而其作品風格不僅引導了當今膠彩畫走向，也顯示了膠彩畫做為一種廿一世紀再興的繪畫，已有更形高邁的反省與視界，在多元整合的基礎上，以新的創作思維，展現了自我本身的文化精神。

皓首風骨

自我1972年來高雄40寒食，「人不輕狂枉少年」經歷「也擬哭塗窮」到「人來鳥不驚」，看太多得權欲諍爭，想繁複的社會公平公義，貼給了自己太多的標籤與符號。在藝術創作上，無論是素材的解構與辯證，或是藝術符號的表現象徵，一而再地多次推移翻轉，變革頂新；從「枯山水」、「人性系列」到「黑色情結」以至「多媒材後現代水墨」，我總是自個兒製造問題又去解脫應對，豐富而精采，詭異而剛強。

藝術創作是人與大自然共同享有榮辱的根基，也是時間的心靈。我的作品與台灣這塊土地大自然榮辱與共，共同呼吸，社會脈動息息相關，有著哲學的發想，也有社會學的反思。藝術作品的研究不限於作品本身，更應該探討社會狀況。因為在真空狀態下或移植開刀或櫥窗文化都是沒有血肉骨感的，而我僅存的依靠只剩下敏感的基因與不安焦慮的原創種子。

老了想歇，卻停不下…

台灣最近幾年的社會政治更迭轉型，並沒有預期像1987年後解嚴時期的彭湃多彩，反而像是走鋼索馬戲，危險而又嬉謔，無奈又無助…。台灣命運的悲劇難道是既已命定的「虛無」原象，如何用「真有」來表現。

從國土買賣、食安問題、都市重劃直溯教改文化的怪獸…，我們一連串的引頸期盼以迎王師的果敢英姿雄風，希望能「大風起兮雲浩蕩」，却也落個一頭霧水，霧裡看花。這些都成為湯藥的藥引子，當然個人生活的寫性抒情也藉著諷刺與誇張，來訴說玩笑一已的孤芳自賞與風潮。夜郎自大的不像個純粹造型的藝術家，我也意識到如此的冷冽乖戾，對畫廊對老婆來說都不是好事，所以畫廊的邀展甚少，因為盡出「冷盤」，真會令人「五味雜陳」。

話說回來，去年一整年，除了抄經沒事幹，只好躲藏畫室埋首作畫。「102」膽子大竟敢搞開大門邀請個展。一諾千金，全新的作品容不下「102」的空間，但十來張的作品有「六界」也有「五蘊」，有「般若」也有「無明」，但我總在作品中修持，讓生命有所「菩提」，讓台灣的社會環境、文化藝術在原鄉的心靈中有所悟覺。我一本正視現實「人道主義」精神用於「審視世界」、「詮釋藝術」是很辛苦的、寂寞的，但我卻樂得躲在破舊的眷村畫室咖啡色料裡，想著與劉禹錫「陋室銘」一起「調素琴，閱金經，無絲竹之亂耳，無案牘之勞形」，或讓自個兒發呆瞧鏡中裡的

            皓首的身軀

            身後的風骨

【新風景‧心風景】文/蘇煒聖

「這是最好的時代，也是最壞的時代;這是智慧的時代，也是愚蠢的時代;
這是篤信的時代，也是疑慮的時代;這是光明的季節，也是黑暗的季節;
這是希望的春天，也是絕望的冬天;我們什麼都有，也什麼都沒有;
我們全都會上天堂，也全都會下地獄。」

狄更斯的《雙城記》訴說著這樣一個時代，而我們不也正處於這樣一個時代中?

資訊、物質的快速更迭，心靈卻更加空虛。藉由風景中所隱藏的時代記憶，以更內化、更深層的方式去探討創作者心中(眼中)的風景呈現。「心境即景」便是在這樣的前提下所引發出的策展主題。

創作對范思琪來說，是個神秘、難以描述的過程。這個旅程沒有繁複厚重的行囊，一切從簡，緊隨初衷。旅程中，線條是認知它的方式，直線與曲線在動靜的節奏裡，和它相遇，用身體和它對話。因為它，讓快速流動的世界慢了下來，且重新找到連結世界的方法。

徐詩沛透過畫作與文字來詮釋時間與空間，以內心的生命層次，表達出沉穩卻撼動人心的共鳴。在這樣喧鬧紛擾的生活裡，去傾聽、去面對內心沉寂的聲音。

蔡依潔的作品以都會風景作為創作題材，有感於在都市生活的人們，慣於透過各種影像的框架來凝視風景，經由顏料的飽和色與塑料質地，描繪各種經過編修、剪輯的風景圖像置於我們日常中的當代景觀。

不同的生活歷練與成長背景差異，造就對心境不同的描繪。在這樣的時代裡，三位藝術家透過創作來詮釋他們所見的世界，亦讓觀者一窺藝術家們內心的人生景致。

展覽名稱：[洛神序曲] - 高興個展

 Luoshen  Overture - Liu Kao-hsing Solo Exhibition

展出時間：2016.3.8~2016.4.24（11:00~18:00 周一休)

展出地點：102當代藝術空間（台南市仁德區成功三街102號）

開幕:2016.3.12 (六) 下午2:30

撰文者:劉高興

劉高興，1958年出生於高雄，國立藝專畢業後，負笈巴黎，畢業於巴黎國立藝術學院。任教於國立台灣藝術學院、國立清華大學、屏東科技大學等。

曾獲法國BNP銀行徵畫頭獎、1993年全國畫學會油畫金爵獎。積極參予社區藝術活動，是竹田米倉藝術家社區發起規劃人。

關於[洛神序曲]

因為台東大學三個月駐校的機緣，[洛神]和[都蘭聖山]深深嵌進心窩裡，久久難忘,像是生命的新印記。尤其[洛神]正好用祂指向二個創作的內涵，一個是追思歷史公案曹植對心儀女人神美頌賦的感懷，另一個是來自台灣東岸土地原生，滿滿山谷厚愛的賜予。

藝術在某種意義上，正是人們對心中[美神]感悟的不斷思念與詠嘆，也是歸返自然，傾聽土地、種子爆芽、生枝拓葉、花開脫萼等等，給人給土地生命的再造。

台灣後山仍保有美麗的大自然、熱情的歌聲、香醇的小米酒、有海風白浪、黃金稻田、綿延疊嶂的藍色山脈…令人駐足愛難捨離。

這些豐富莫名的感動，一到寂靜的深夜，全部化成一朵朵火紅濃烈發紫發黑的[洛神]，祂的美帶著特有的土味，也是神祕的。為這個展覽記下開始蔓延對祂思念的滋味。

「我很少用言語表達我的想法，圖像是記錄我想法的工具。」賴美華在她的創作理念中開宗明義如是說。其實，她敏感的心有著無數的想法在蘊釀，因此習慣「用畫筆來寫日記」，一朵花、一片雲、一輪彎月、海水、音樂、文學等，感受生命中美好的事物，都是她創作的靈感。成為歌頌美麗的藝術家，是賴美華從小的心願，因此花卉、葉子、種子、眼睛等象徵美好的符號，都成為她畫中常用的創作元素，以細膩的筆觸、柔和的線條與漸層的色彩，串連而成看似美麗的作品，卻深藏著藝術家深切的情感。

賴美華的創作把對人生的感受與幻想，以個人的繪畫語彙表達出來。她以純女性觀點為基礎，描繪超現實的潛意識活動，作品構圖鮮明多變，色調強烈大膽，形成賴美華強悍的繪畫風格，呈現出內在生命的熾情，讓觀者感受到強烈的張力。 色彩和筆觸鮮明，強烈大膽的多面向畫作，讓人感染作者創作的狂喜。她畫中出現的花、臉譜、人體、動物等元素，交織成豐富而充滿性暗示的畫面。

賴美華說：「我不在意別人將我的畫看做是性的符號，性是人生一大事，是一種自然的行為，沒有應不應該或罪惡的評斷。」藝評家陸蓉之認為，賴美華可以歸為台灣原生女性主義代表人物，「她的女性主義是發乎本能的自覺，而不是一種思想性的潮流或運動，看起來欠缺理論的支持，其實正因為如此創作者反而更理直氣壯了。」賴美華的作品，充滿女性的敏銳情感，傳達對生命底層的探索，時而表現瑰麗幸福的情調，時而透出憾人詭譎的氛圍，足以喚起觀者靈魂深處的共鳴。