家屋與天地－黃品玲、温孟瑜聯展

文/翁境優

「家屋與天地」聯展自五月十六日至七月四日於台南102當代藝術空間展出，收錄了溫孟瑜與黃品玲近年的精選作品。溫孟瑜的創作以細膩的家屋意象，而黃品玲的作品是抒情的天地景致。兩位藝術家風格各異的主題以及呈現方式，切合哲學家巴拉舍所作《空間詩學》的篇章「家屋與天地」：家屋是我們意識的居所，是我們第一個小宇宙；天地是容納家屋的環境，卻也是精神狀態的投射。

溫孟瑜創造的空間內，總充斥著鮮明飽和的色澤。絹印的部分就像是刷上一層大自然的質地，對照稜角分明的室內結構，顯得朦朧而寫實。畫作中的家具並非臨摹而成，而是在參照多方角度後，以記憶中的外形繪出理想中的樣態。相較於傳統以透視法描繪立體物件、單一視角的定點作畫，溫孟瑜以多視角觀察，將這些物件特有的線條及轉換為平面形狀，以簡單的色塊呈現出實際的立體感。在溫孟瑜縝密的安排下，斑斕的色彩在畫布上有序地繽紛。

溫孟瑜的作品裡時常出現多個層次的交疊，這些層次是空間、是意識形態也是記憶。室內空間以及向外所見的風景，或許是現在及曾經的心理狀態，或許是未來的景致及過去的夜幕。溫孟瑜畫中的窗景之必要，是她發展出的抒情方式。《山景的房間》窗外壯闊的麗景，便是化作寧靜中的張力，對照室內凝結的空氣，反映著家屋的平和。

黃品玲抒情的筆觸或緩或快，牽引出油彩的流動性，堆疊出思緒的線條。層疊的白色流淌在畫布上，塑造了曠野的遼闊感，表述著磅礴的天地萬象。有時像海、有時像雨、有時像瀑布，透過兼具厚度及透明度的畫作，黃品玲畫出了徑流的動態，營造出水的聯想，以繪畫讓人聽見水的聲音，隨著水的速度匯流。

黃品玲創作裡詩意的景色不單是湖光山色的視覺重現，而是揉合記憶的感官回溯。《青草味》系列喚起我們記憶裡那片草坪大地的氣息，是借景抒情，也是借情抒景，把那一股透過青草味而銘記於心的過去，發抒於山水。黃品玲的畫有著涓涓不斷的流動感，相較於留法時期緩慢的線條、厚實又空漠的白，現階段的心境變化流露在透亮的山海河景之中。巧妙的渲染和留白，彷彿山巒的呼吸、河水的波紋。隨著時間的流逝、意識的更迭，黃品玲透過天地的色彩，和煦而堅定地畫出了思緒的速度。

記憶是「家屋與天地」共同的源泉。兩者各自發展出的作品意象，是集合美學理念的成就，也是藝術家毫無保留的心境。在溫孟瑜的家屋裡，從幾何的色塊之中窺見精緻紛繁的細節；在黃品玲的天地間，於無垠的穹蒼之下感受翻滾奔流的深情。

家屋與天地－黃品玲、温孟瑜聯展       

文/張凱鈞

這次黃品玲與溫孟瑜的聯展名為「家屋與天地」（Maison et Univers），靈感源於法國哲學家巴舎拉（Gaston Bachlard）《空間詩學》第二章的命題。對巴舍拉而言，家屋是記憶的藏身之所，天地則是一個人對空間個人化的精神投射。對應兩位藝術家的創作，家屋在溫孟瑜的創作中如同記憶的寶盒、心理狀態的圖解，私密而精巧。而黃品玲的畫筆下，天地之間，一片片風景被賦予了與生命與人性。藝術家與觀者的靈魂也在這些風景相遇、棲居。

黃品玲的風景是身體、感知與回憶之間的對話空場。

在時間的推進中，那些她曾經造訪的景緻被身體收納。她面對這些印象中的風景進行素描，並試圖抓取那些記憶猶新卻不可見的感知經驗：那是在留白中與飄逸的筆觸之間透出的青草味，或是濕潤流暢的顏料所賦予風景的濕氣，亦或是透過顏色所體現的環境溫度。在畫布上，敏感的筆觸將未乾的顏料相互交融、推移，生成了繪畫性的空間，這些空間是身體的延續，也是階段性記憶的總和。這些風景似曾相識卻又難以指稱，在眼前也在遠方，靜謐卻又不斷召喚。

她凝視著一個空間，便做了一場白日夢。

溫孟瑜閱讀著房間，並用紙筆丈量了視角與距離，來到畫布前，一些顏色開始漸漸浮現。透過簡約的造型、幾何切面及透視，藝術家把視者帶入她的奇幻空間。進而通過暖色及冷色之間的調度使畫面充滿音樂性和明快的節奏。色面與色面一絲不苟地相互交疊的同時，藝術家洗練地結合絹印及繪畫技巧，給予物件表面不同的質地及紋飾，並細膩地鑲嵌於各個角落，觀者的視線得以在豐富的繪畫語言及空間感中游走穿行。溫孟瑜的家屋場景中，窗景是其中的靈魂所在。畫中畫（mise en abyme）的概念將私密的空間推進到另一個神秘而未知的地方，同時也形而上地折射出在室者的心理狀態。

從室內空間到窗景，到無邊的遼闊風景，人們的視線來回穿梭。因為這次的展覽，兩種截然不同的空間語彙找到了對話的起點。如同保羅・愛呂雅（Paul Eluard）所寫：「當我們天空的頂點融合在一起，我的家屋就有了屋頂」。此刻，家屋與天地正分享著同一個時空。

家屋與天地－黃品玲、温孟瑜聯展

過於寂靜的旅行 接著，停泊

談黃品玲的創作

文/陳湘汶 Chen Hsiang-Wen

這是給一個人看的風景。

黃品玲的作品，以詩意的氛圍和對顏料掌握得宜的表現，深深吸引著我們的目光。將她筆下呈現的世界稱為風景，恐怕不是那麼貼切合適，因為這些畫面，是藝術家將每次外出所見的實際景色，經過時間沈澱之後，所消化出來屬於個人內心的解讀；它們並非指涉某個確切的地理上的風景，而是一定比例地投射了藝術家當下的感性。「這是給一個人看的風景」，是黃品玲畫作給我最深的印象，一種靜默而凝結的空間、孤獨且緩慢。而如此風格的形成，與她在巴黎的求學經驗息息相關：大學時期的創作仍屬於摸索階段，曾嘗試不同材料與技法，甚至不多加思索地將繪畫的慾望直接呈現在畫面上，例如2009年《拘留所》以及2010年《被包圍的島》系列，畫作裡所描繪的遠景的燈塔、探照燈，或是被色塊所包圍的島嶼及樹木，似乎暗示著藝術家內心企望解開禁錮，隨著遠方照來幽微的光線，向更遠的他方走去的想法。於是2010年她決定前往巴黎學習，隔年也順利進入巴黎美院就讀，然而身在異鄉的孤寂排山倒海而來，使得黃品玲2011至2012年間的作品裡，那些以往佔據畫面中心的樹或島的意象逐漸解裂，地平線出現了，畫面重心也向低處及左右擴散，與彼岸的「距離感」，逐漸成為作品的核心。年輕藝術家身在茫茫異都的失語狀態，使黃品玲的作品抽成幾近真空一樣的無聲，那就像是全身潛入海中，耳內只能聽到窸窣沙沙聲與心跳的狀態。身處異鄉的不安，促使藝術家透過繪畫創造屬於自己的天地，這片天地之下的風景，僅屬一人得以享受，任何的參與，都將打破那難得的寧靜。

所有的記憶都是潮濕的，所有的旅行都是屬於一個人的。

有時，因火車行進中的晃動而睜開眼，眼前的玻璃窗上佈滿水氣，窗外的原野盡是細如貓毛的雨絲，濛濛靄靄，籠罩遠處的佛塔、森林，比起茫茫霧氣，感覺更為暖和。（谷崎潤一郎，〈旅行的種種〉，《陰翳禮讚》）

「潮濕的記憶」是黃品玲於2012年的創作系列，在這個系列之後，她捨棄了壓克力顏料，轉而全面使用油彩。遠離過往時而以膠帶輔佐的銳利線條，流動性的油彩與明顯 的筆觸，共同譜出目前我們所見黃品玲的繪畫風格。香港作家劉以鬯在小說《酒徒》 中曾經寫道「所有的記憶都是潮濕的」，而這句極富身體感知的句子，也曾被王家衛擷取下作為電影《2046》片頭破題的字卡；《酒徒》裡描寫的是一個欲成為文學作家 卻因現實不從人願，最終遁入酗酒之酒徒。回頭再看黃品玲的作品，若在巴黎的現實讓人無力，那些潮濕的記憶究竟是來自太平洋上藝術家故鄉的褥熱？或是藝術家隻身在下雪巴黎，對生活與社會的茫然所致？也許兩者皆有吧，旅行的動力是因為不斷地告別，而移動過程中的景色遂成為創作的養分，時而稀薄透明，時而濃稠堆積，透過顏料狀態的不同，品玲的風景得以呈現多變與不可預知。

黃品玲善於透過大量的白色顏料，堆起如下雪後的寂靜氛圍，亦深諳如何用黝暗的藍或綠打造背景。每每站在她的畫作前，總是會被那宛如遙望著無人的遠方的視野，與具有深度跟層次變化的暗色所吸引。品玲的創作著實反映她的個人心境與旅行軌跡：從大學時期漂浮在畫面中央的物件，之後重心慢慢的落地，而後構築出地平線清楚顯現，近景與遠景分明的一片風景，品玲透過大面積的純白，以及具層次的深藍、深綠對比，帶給我們異常冷冽沉靜的感受。2015年返台後，黃品玲搬回新竹創作，在離開將近五年後，再次回到熟悉的土地上，品玲絲毫沒有適應亞熱帶氣候的過渡期，便進入積極創作的狀態。近來，她透過大片筆刷、調和顏料比例的實驗，以及大小不同的甩點效果，讓我聽見原本在她作品中不曾出現過的微小聲響：那聲音像是雨水滴在傘面上清脆但優雅的悄悄話，小心翼翼地敲破了過往的一片寂靜。此外，品玲回到台灣之後的新近創作，也讓我們清楚地看出畫中景物的距離感被大幅縮短，以往那些大筆觸暗示的遠山、樹木或流水，已經像是觸手可及般，特別是2016年的《Rising Memory》、《Landscape from a Memory of Youth》等，都像是從站在一艘即將靠岸的船上望見的風景，作為觀者的我們，也就在藝術家的帶領下，踏上她鄉愁的彼岸，即將開始另一段旅程。

家屋與天地－黃品玲、温孟瑜聯展

一抹，以及詩意的漂浮

文/張禮豪

　　「回憶就像是從空無之中搶救回來的生命片段。無以停泊。無法錨定、固著。這些回憶幾乎得不到確證。沒有任何的時間順序，只有我自己經年累月、恣意重建起來的模樣：時間只是流逝而過。有四季變化。有時滑雪，有時堆乾草。沒有開始也沒有結束。不再有往昔，長久之間，也不曾有未來；只是這樣持續下去。」 ──喬治‧培瑞克《W或童年回憶》（George Perec, "W ou le souvenir d'enfance）

　　時間並不如煙，總在轉瞬之間徹底消失無蹤；更多時候像是塵埃，雖然肉眼難辨，卻扎扎實實地漂浮於空氣之中，伴隨風的吹拂而飛散，等到風止才不捨地在四處落定、聚集，新舊交雜之後形成更為具體的團塊，因為承受了紛至沓來的現實，而蘊藏著不同的生命痕跡，留待有緣人在不經意發現後，挖掘出其中的意義與價值所在。這誠然絕非一件容易的事，也是如此，把時間賦予形體，不僅是對記憶，更是對美的一種追求。

為時間與記憶賦予形體

　　黃品玲的創作，一直以來就是從這樣的思想基礎出發，向自我內在不斷地刺探與摸索，同時也邁開步伐迎向無盡遼闊的世界。自法國國立巴黎高等藝術學院 （L'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris ）取得碩士學位回台之後，位於竹北的老家就成為她藝術旅程的重要開端。新竹因地形因素，不分冬夏，風勢尤其較他處強烈，故素有風城之稱。如是獨特的氣候環境，讓黃品玲在權充工作室的二樓窗外望出去時，總能清楚看見矗立在不遠處的一株大樹，枝葉隨風擺盪的情景。由於窗戶阻隔其間，室內與戶外頓時隔成兩個既有部份相連，另一部份卻又無涉的異質時空，隨著時節的流轉與變化，進而產生猶如觀看同一影片反覆播放的神思恍惚狀態。至此，虛實的界線變得模糊未明，花草、河流、湖泊、海洋、山林、雲霧……乃至於無有始終的記憶片段，都在理智尚未全盤洞悉之前， 以最純粹的樣貌抵達她的畫布。

　　然而，每回在進入創作週期之前，黃品玲習慣在一、兩個月的期間內累積透過素描、水彩，甚至是礦物顏料所畫就的大量草稿，並且反覆檢視、整理這些素材，企圖找到蘊藏在其中的真實內涵。時間，就是讓這些素材產生質變的主要關鍵因子；一旦開始發酵，裡頭一部分的草稿就會順理成章地發展為正式創作。這與其他一些創作者或殊無二異，但值得注意的是，創作前她會拿起身邊任意一本書籍，隨性翻閱幾頁，像是近期所讀尉任之的《室內靜物‧窗外風景》、石黑一雄的《群山淡景》，到《德‧克雷宏波的眼睛》等不一而足。無論是散文、小說，或者從醫學角度出發的病例紀錄，這些橫跨不同文類與領域的文字，卻不約而同地提出了對於時間、記憶以迄風景的各自看法。透過這恍若儀式一般的舉措，除了讓黃品玲不斷思考文字與繪畫二者呈現生命反思的實踐異同，或許也在無形當中，為其作品注入在同輩創作者身上少見的文學意趣。

恍惚而從容的溫暖景緻

　　為了能讓創作一氣呵成，黃品玲會盡己所能地在畫布前伸展肢體，透過持續的空刷與演練，讓身體得以熟悉畫布，使其不再害怕媒材與尺幅的限制。從盈掌的小品到有意識地選擇雙拼的大作，縱然都是在理智先決的狀態下開啟，依舊藉由濺灑等自動性技法來增添更多偶發的視覺效果，為每一件創作帶來連她本身都難以掌握的驚喜。而隨著一抹又一抹時而厚重、時而輕盈的純色顏料在畫布上鋪陳開來，途中偶爾暫歇，檢視構圖的比例、顏料堆疊出來的線條與肌理，以及最後決定安插的物件等，存在於她腦中那些難以透過語言文字敘述的感知，頓時交融成既熟悉又陌生，彷彿空無一人的地景形象，進而體現出極為個人化的世界觀，以及，人們共通的孤獨本質。

　　此次以「時間之塵」為命題的日本首展，即可視為她以緩慢而堅定的節奏，綿密而漸次展開的序曲樂章。有別於此前慣性以大量白色來構成畫面，黃品玲刻意嘗試採用更多深藍、墨黑來與之形成強烈的對比。橫亙整個畫幅的大抹色塊，既有曙光漸露的乳白天空，也有萬籟無聲的靜寂暗夜；偶爾是一幅狂風驟起的雨中即景，有時則根本像是一堵終年不化的冰牆……在在讓人聯想起普魯斯特筆下既綿密又疏闊，恍惚又帶著從容的文句。無所謂情節開展與否，反而更接近意識的任意流動，過去、現在與未來相互穿插推移，織就出一張龐大錯疊的密網。蘊藏其中、若隱若現的真義，則要等到日後回望，才有一絲被揭示的機會。甚至，縱然未曾被徹底解讀，勢必仍將以一種謎團般的形式存在，要求你我付出更多思索的必要。

　　即使這樣，敘事的闕如非但並不乏味，反而讓人深感到溫暖與安心。理由無他，透過空前開闊的視角所納進來的畫面，都是她悉心透過最真誠的感受採集得來的心靈想像，再細膩地脫蛻而成。黃品玲創作的魅力所在，就是所有真實的事物與景緻終將走向虛幻與想像，卻又再真實不過──陽光可以如雪花般柔緩地飄落在嚴重晃動的浪頭上；原本該是生長於海底的綠色珊瑚，長成灰白地面上一株傲世獨立的植物，都自然流露出衝突的美感。到最後，不管是刻意或是偶然瞥見，觀者如你我所需要做的，就是將視線乃至於全副身心都毫無保留地投入畫面之中，去仔細聆聽從有風吹動的窗內傳遞而來的低語呢喃，並且任自己逐漸過渡到另一個遙遠的宇宙，詩意地漂浮著。